ŚWIATŁODŹWIĘKI
KATEGORIA: Festiwal
ŚWIATŁODŹWIĘKI
FESTIWAL SZTUKI AUDIOWIZUALNEJ 10. EDYCJA
10-11.10.2025 Poznań
ŚWIATŁODŹWIĘKI 2025 to dziesiąta edycja festiwalu sztuki audiowizualnej, prezentującego najważniejsze prace europejskiego i rodzimego środowiska artystycznego, zafascynowanego performatywnym łączeniem wizualności i muzyki, organizowanego przez Fundację Wspierania Kultury - Our Place Foundation.
ŚWIATŁODŹWIĘKI to festiwal sztuki, technologii, muzyki i multimediów w Poznaniu, będący inkubatorem nowych koncepcji i kooperatyw.
ŚWIATŁODŹWIĘKI to synestetyczne doświadczanie eksperymentalnej muzyki i świetlnych wizualizacji. Ta interdyscyplinarna sztuka tworzona jest całkowicie na żywo, w oparciu o nowe koncepcje, zakładające wzajemne oddziaływanie dźwięku i obrazu/koloru w jednym czasie.
ŚWIATŁODŹWIĘKI to koncerty audiowizualne, instalacje i panel dyskusyjny, podczas których artyści tworzący projekcje, muzycy-naukowcy opowiedzą o najnowszych trendach w europejskiej sztuce, o połączeniach sztuki, muzyki, informatyki, architektury. Tegoroczna edycja również kontynuuje zajęcia dla młodzieży, ŚWIATŁODŹWIĘKI JUNIOR. Artyści zaprezentują nowe drogi i kierunki, którymi podąża sztuka.
W tym roku zaproszeni artyści to:
niderlandzka malarka Gwendolyn Kassenaar, hiszpańska artystka audiowizualna Blanca Regina i jedna z najważniejszych perkusistek na scenie współczesnej muzyki - Beibei Wang,
Wystąpi również artystka holografii Zhiyan Cai, brytyjski artysta dźwiękowy Peter Cusack oraz kanadyjski skrzypek Jack Campbell.
Na tegorocznym festiwalu, wystąpią również znani polscy artyści, m. in. legendarny Tadeusz Sudnik, wirtuozka gry na lirze korbowej Malwina Paszek, trębacz grający na trąbce ćwierć-tonowej z użyciem elektroniki - Patryk Rynkiewicz, futurystyczny klawiszowiec Jakub Królikowski, awangardowy improwizujący pianista Cheslav Singh, a także projektant światła Paweł Krupski.
Festiwal jest współfinansowany ze środków Urzędu Miasta Poznania, CK Zamek, Ambasady Królestwa Niderlandów oraz Ambasady Królestwa Hiszpanii. Patronat medialny objęło Radio Afera, TVP3 Poznań.
Miejsca:
Festiwal odbędzie się w Centrum Kultury Zamek (Sala Wielka) Więcej informacji na stronie www.swiatlodzwieki.art oraz w socjalmediach (FB) i (IG)
TWÓRCY ZAGRANICZNI, którzy wezmą udział w festiwalu ŚWIATŁODŹWIĘKI:
Gwendolyn Kassenaar - Wielokrotnie nagradzana artystka wizualna Gwendolyn Kassenaar (ur. 1973 w Amsterdamie) zajmuje się malarstwem, rysunkiem i performansem.
Gwendolyn tworzy improwizowaną sztukę na żywo na scenie z muzykami i tancerzami, wspomaganą przez swoją synestezję. Występowała w renomowanych miejscach, takich jak Cafe Oto, Hundred Years Gallery i Uniwersytet SOAS, a także współpracuje z cenionymi muzykami, takimi jak Orphy Robinson MBE, Maggie Nicols, Beibei Wang i Hyelim Kim.
Namalowała na żywo mural „Dance to Ecstacy” w Londynie (2021) i stworzyła innowacyjny performans „A Trajectory to Unsuffocation” na Festiwal Bloomsbury (2022).
Jej prace są szeroko wystawiane, znajdują się w całej Europie i były prezentowane w kultowym magazynie „The Wire” oraz w radiu Soho. W 2024 roku zdobyła prestiżową nagrodę Serpentine Gallery Support Structures.
Zhiyan Cai - to mieszkająca w Londynie artystka cyfrowa i była architektka. Jej twórczość bada złożone relacje między kulturą a technologią, historią a przyszłością, splatając azjatycki folklor z futuryzmem i science fiction z kobiecej perspektywy.
W swojej pracy wykorzystuje m.in. rendering 3D, holografię, mapping projekcyjny, AR i VR, tworząc immersyjne doświadczenia wizualne. Jej sztuka była prezentowana na całym świecie, m.in. w Nowym Jorku, Londynie, Rzymie, Hongkongu, a także podczas prestiżowych wydarzeń, takich jak Design Shanghai, London Design Festival, Milan Design Week czy Shenzhen Cultural Expo. W tym roku jej prace wizualne zostaną zaprezentowane na Worlds Away Festival w Kalifornii.
Beibei Wang - Dzięki swojemu doświadczeniu zarówno w zakresie klasycznej, jak i tradycyjnej chińskiej perkusji, Beibei Wang wnosi do występów charakterystyczną dla siebie „pełną energii wirtuozerię” (Wall Street Journal), prezentując różnorodny repertuar. Jako solistka występowała na całym świecie z orkiestrami takimi jak BBC Symphony Orchestra, Toronto Symphony Orchestra, New Japan Philharmonic czy Boston Modern Orchestra Project, pojawiając się na najbardziej prestiżowych scenach świata. Jej unikalne zaplecze łączące klasykę i style muzyki światowej prowadzi ją do udziału w szerokiej gamie projektów multidyscyplinarnych – od wykonań współczesnych klasyków i prawykonań nowych dzieł po międzynarodowe tournée z produkcjami tanecznymi.beibeimusic.com
Blanca Regina - jest interdyscyplinarną artystką, nauczycielką i niezależną kuratorką. Tworzy multimedialne pejzaże przy użyciu głosu, obiektów, elektroniki i wizualizacji, posługując się systemami kompozycji spontanicznej. Jej twórczość obejmuje również sztukę książki, media immersyjne i projektowanie.
Blanca Regina zorganizowała liczne wystawy, koncerty i warsztaty na całym świecie, prezentując swoje prace m.in. w takich miejscach jak Cafe Oto, Turner Contemporary, Barbican i Tate Modern w Londynie, a także podczas PhotoEspaña, w La Casa Encendida i Cruce w Madrycie. Jej projekty międzynarodowe obejmują także prezentacje w Meksyku, m.in. w Fundación Pedro Meyer, Biblioteca Henestrosa, El Faro de Oriente i TerrazaMounstruo, oraz w Berlinie, w HKW i Sowieso.
Prowadziła również wykłady i warsztaty w Wielkiej Brytanii i za granicą, m.in. na University of the Arts London, Goldsmiths University, Guildhall oraz Ravensbourne University.
Wraz ze Steve’em Beresfordem współzałożyła cykl Unpredictable Series, koncentrujący się na muzyce spontanicznej i eksperymentach w sztukach wizualnych, kontynuując działalność swojego pierwszego kolektywu Mademotion, założonego w Madrycie. Blanca Regina i Steve Beresford nagrali wspólnie trzy albumy: What Blue (2020), Duets with Blanca Regina, Spontaneous Music oraz Art of Improvisers (2017).
W ramach tych albumów współpracowała z różnymi artystkami, kładąc szczególny nacisk na improwizatorki. W 2017 roku, we współpracy ze swoim wieloletnim partnerem artystycznym Leafcutterem Johnem, stworzyła Miga — limitowaną edycję na pendrivie oraz cyfrową publikację dokumentującą ich występy na żywo. Jej współpraca obejmuje także projekty muzyczne i audiowizualne z artystami takimi jak Matthias Kispert, Peter Cusack, Matt Black, Laetitia Sadier, Marie Merlet, Adriana Camacho i David Toop.
Peter Cusack jest muzykiem i realizatorem nagrań terenowych, od dawna zainteresowanym środowiskiem akustycznym. Zainicjował projekt „Favourite Sounds Project”, aby odkryć, co ludzie postrzegają pozytywnie w codziennych pejzażach dźwiękowych, oraz projekt „Sounds from Dangerous Places”, który wykorzystuje dziennikarstwo dźwiękowe do badania miejsc poważnych zniszczeń środowiskowych, takich jak strefa wykluczenia wokół Czarnobyla, zanikające Morze Aralskie, Azja Środkowa i kopalnie węgla brunatnego w Europie.
Gra muzykę improwizowaną na gitarze i realizuje nagrania terenowe, jest członkiem CRiSAP na University of Arts London, a w latach 2011/12 był gościem DAAD Berlin Künstlerprogramm. Ostatnio zaangażował się w radio.aporee/radio.earth, zdalne strumieniowanie dźwięku, spacery dźwiękowe i tworzenie muzyki z udziałem środowiska dźwiękowego.
Jack Campbell - jest kompozytorem eksperymentalnym i skrzypkiem koncertowym. Okrzyknięty „młodym mistrzem sztuki” przez London Daily News i „Niezwykle utalentowanym” przez The Strad, Campbell występował w Londynie, Paryżu, Nowym Jorku, Berlinie, Amsterdamie, Bazylei i wielu miastach Wielkiej Brytanii i Kanady. Do jego najważniejszych projektów należą: Szczyt Przyszłości Narodów Zjednoczonych, Narodowe Muzeum Informatyki w Bletchley Park, Festiwal Fringe w Edynburgu, Kanadyjskie Centrum Kultury w Paryżu oraz katedry w Chester, Carlisle i Wrexham. Prowadził badania nad projektami performatywnymi w Musse Arts Moderne i Musee Picasso w Paryżu, Royal Greenwich Museum i Royal United Services Institute w Londynie oraz Instytucie Paula Sachera (Szwajcaria). Jego debiutancki solowy album ukaże się latem 2025 roku, a on sam jest autorem wielu płyt z muzyką kameralną, teledysków i instalacji dźwiękowych. Wśród projektów godnych uwagi znajdują się przetłumaczenie kodu Enigmy i komputerów bombe/colossus na dzieła muzyczne oraz transkrypcja/tłumaczenie śpiewu ptaków z Kolumbii Brytyjskiej na utwory wielkoformatowe na skrzypce solo.
ARTYŚCI POLSCY:
Tadeusz Sudnik - polski muzyk, kompozytor, realizator dźwięku. Jest pomysłodawcą i założycielem Studia Dźwięków Niemożliwych, twórcą multimedialnych koncertów - spektakli.
Interesuje go granie na żywo na syntezatorach analogowych, elektronicznych urządzeniach generujących dźwięk, a w trakcie koncertów granych na żywo przekształca różnorodne efekty dźwiękowe. Używając tych środków do generowania i przekształcania dźwięku, stworzył na scenie małe studio. Oprócz sal koncertowych, teatralnych i klubowych grał w lasach, nad jeziorami i rzekami, na mostach i pod mostami, na statkach rzecznych, w stodołach, pałacach, zamkach, kościołach, fabrykach i kopalniach.
Przez kilkanaście lat pracował w Studio Eksperymentalnym Polskiego Radia w Warszawie, gdzie nagrywał i realizował muzykę elektroniczną, teatralną, filmową i baletową.
Przez wiele lat współpracował z festiwalem Warszawska Jesień, Polskim Towarzystwem Muzyki Współczesnej, Związkiem Kompozytorów Polskich, Teatrem Narodowym, Teatrem Małym, festiwalem Ad Libitum. Wystąpił także na festiwalach Inventionen w Berlinie Zachodnim, w Montreaux i in.
Skomponował muzykę do spektaklu baletowego „Pejzaż Nocą” dla Teatru Wielkiego, do sztuki „Drewniany człowiek” Stasysa Eidrigeviciusa wystawionej w warszawskim Teatrze Studio, muzykę Ferajna Pana Dropsa dla teatru Scena Lubelska i in. Projektował też dźwięk dla Double Opera Krzysztofa Knittla i Johna Kinga HEARTPIECE, wystawianej w galerii „The Kitchen” w Nowym Yorku. W galerii XXI w Warszawie w 2006 r. wystawił swój projekt multimedialny „Kolej rzeczy”. Na zamówienie warszawskiej galerii sztuki appendix2 skomponował utwór muzyczny ilustrujący wystawę OD-DO Stanisława Dróżdza (2009 r). Na zamówienie wydawnictwa Polonia Records nagrał płytę Tadeusz Sudnik & His Friends In Art (2006). Cytula Tyfun był pierwszym zespołem, w którym grał od 1980 r. wspólnie z Krzysztofem Knittlem, Andrzejem Bieżanem i Mieczysławem Litwińskim.
Malwina Paszek - multiinstrumentalistka etniczna (lira korbowa, akordeon, cytry, fortepian, fujara słowacka, bębenek i inne) i śpiewaczka. Wykonuje pieśni tradycyjne głównie z rodzimej Wielkopolski, a także z Ukrainy, Białorusi i wschodniej Polski. Komponuje muzykę dla teatru (CIcha!, Rayuela, Obrazobranie, Nosotros Ellos, Prawdziwy Polak Nie Żyje), słuchowisk, filmów niemych (Kwartet Bedebede & Purandare) i animacji.
Pracowała jako konsultantka muzyczna do filmu Marka Lechkiego pt. “Interior”. Członkini zespołu Druhny oraz Piekielnica. Ukończyła studia na Akademii Muzycznej w Poznaniu w 2011 roku (Teoria muzyki). Obecnie studiuje kompozycję na Akademii Muzycznej im. S. Moniuszki w Gdańsku. Jej pasją jest lira korbowa. Wykonuje na niej muzykę najnowszą, tradycyjną i barokową. Jest autorką projektów artystycznych - m.in.: Projekt Synestetycy w CK Zamek w Poznaniu (audiowizualny projekt nawiązujący do zjawiska synestezji, 2012), Projekt Jestem z Doliny Bobru (2018, 2019, warsztaty śpiewu i koncert), Projekt Przychodnia Terapii Śpiewem (cykl warsztatów realizowanych w Krotoszynie i nawiązujący do terapeutycznej roli śpiewu w życiu, 2018) Dominodźwięki (warsztaty kompozytorskie dla dzieci w ramach festiwalu Poznańska Wiosna Muzyczna, warsztaty współprowadzone z tancerką Pauliną Wycichowską, 2019), Kosmiczna Muzyka (warsztaty kompozytorskie dla osób z niepełnosprawnościami, 2019), SztukStyk (projekt multidyscyplinarny, kompozycja muzyki, 2020), Wiersze dla dzieci i młodzieży (projekt multidyscyplinarny dla Centrum Sztuki Dziecka w Poznaniu, kompozycja muzyki, 2020), Projekt (Nie)poważna muzyka – warsztaty kompozytorskie dla osób z niepełnosprawnościami (2020), Warsztaty ALEA – cykl filmów do aplikacji do komponowania muzyki w ramach współpracy z festiwalem Poznańska Wiosna Muzyczna. Jako Kompozytorka i aranżerka odpowiedzialna byłam za muzykę i prowadzenie chóru w ramach projektu Wesele Wielkopolskie (koncert finałowy Festiwalu Malta 2022). Realizowała kilkukrotnie projekty artystyczne, warsztaty i koncerty w ramach Projektu Off Opera oraz Projektu 5 Zmysłów. Współpracuje z kompozytorami muzyki współczesnej. Występowała na festiwalach muzyki folkowej i klasycznej (Nowa Tradycja, Kody, Malta, Bliscy Nieznajomi, Fama, Rozstaje, Ethno Port, Poznańska Wiosna Muzyczna, TrillMe, Mikołajki Folkowe, Lyriktreffen Münster).
Teresa Nowak - muzyk, choreograf, pedagog; prowadzi zajęcia oparte na metodzie Emila Jaques – Dalcroze’a; rozwija muzykalność, wyobraźnię i energię; pracuje z dziećmi, młodzieżą i dorosłymi; prowadzi warsztaty i wykłady dla muzyków, tancerzy, psychologów, nauczycieli… w kraju i za granicą. Współpracuje z chórami tworząc dla nich ruch sceniczny.
Jest założycielem i kierownikiem artystycznym Zespołu Plastyki Ruchu prezentującego choreografie i improwizacje ruchowe do muzyki, działań plastycznych i utworów literackich. Przez wiele lat związana nauczaniem rytmiki i plastyki ruchu z Zespołem Szkół Muzycznych, Szkołą Baletową im. Olgi Sławskiej – Lipczyńskiej i Wydziałem Wokalno-Aktorskim Akademii Muzycznej w Poznaniu.
W 2 programie Polskiego Radia realizowała w latach 1993 – 1996 autorski program: „Taka sobie muzyczka, taka sobie muzyka”. Reżyseruje koncerty i akcje intermedialne na festiwalach muzyki współczesnej, w cyklu działań „Międzynarodowy Dzień Muzyki”, „Galeria Dźwięku”, „Usłyszeć Miasto”… łącząc w nich muzykę z innymi dziedzinami sztuki. Jest autorką koncertu – spektaklu „Majowa Nocka” z muzyką Witolda Lutosławskiego, prezentowanego w Studio S1 na V Festiwalu Muzycznym Polskiego Radia, wielowarstwowego spektaklu „Chopin na pointach, obcasach i piętach” oraz koncertów w cyklu „Nowa Klasyka” (Panufnik / Xenakis / Sikorski+Reich / Lutosławski).
Jej obecne projekty to „Moja Muzyka” i „Lekcje słuchania muzyki” w Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu. Absolwentka wydziału prawa na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu.
Patryk Rynkiewicz - trębacz jazzowy grający na trąbce ćwierć-tonowej z użyciem elektroniki.
Kompozytor i doktorant Akademii Muzycznej im. Ignacego Jana Paderewskiego w Poznaniu, gdzie prowadzi badania nad etnicznymi wpływami w technice gry na trąbce. Studiował pod kierunkiem Arve Henriksena i Macieja Fortuny, rozwijając unikalne podejście do instrumentu.
W jego stylu gry słychać fascynację brzmieniem trąbki – od ćwierćtonów i technik rozszerzonych, przez modyfikatory elektroniczne, aż po inspiracje muzyką etniczną. Porusza się swobodnie pomiędzy jazzem, free jazzem, muzyką eksperymentalną, elektroniczną i etniczną.
Jest współliderem zespołu Unleashed Cooperation, z którym zdobył Nagrodę Specjalną ZAiKS & STOART na Jazzie nad Odrą (2020) oraz III nagrodę Jazz Juniors (2021). W 2025 roku grupa wystąpiła na jazzahead! w Bremie (Niemcy) jako jedyny polski zespół showcase’owy, a ich koncert został określony przez DownBeat jako:
“Accessible, lyrical and rode on a graceful momentum that was still spontaneous and unpolished (especially when trumpeter Patryk Rynkiewicz put his horn to his lips), yet also a serene note on which to end the proceedings.” (DownBeat)
Na co dzień współpracuje z Wojciechem Waglewskim i Zbigniewem Hołdysem, a także z Skalpel Big Band. Regularnie występuje na najważniejszych festiwalach w Polsce i za granicą, takich jak: Męskie Granie, OFF Festival, Pol’and’Rock (Woodstock), Nisville Jazz Festival (Serbia), HR Jazz Festival w Zagrzebiu (Chorwacja), Cairo Jazz Festival (Egipt), Factory Jazz Festival (Macedonia) i wiele innych.
Jakub Królikowski - Kompozytor i pianista improwizujący. Współzałożyciel festiwalu Światłodźwięki. Działa z wieloma muzykami i artystami w celu wzajemnej inspiracji i przepływu kreatywności. Z zamiłowaniem realizuje działania kuratorskie, stara się łączyć artystów/ki z różnych rejonów geograficznych i środowisk, tak aby razem odkrywać łączący ich wspólny mianownik.
Wykonuje jazz futurystyczny na fortepianie i syntezatorach. Zgłębia autorski solowy styl gry “organiczne techno”. Komponuje na różne instrumenty. Poszukuje różnorodnych relacji muzyki z innymi dyscyplinami sztuki.
Otrzymał Nagrodę Główną na Konkursie Kompozytorów im. M. Stachowskiego pod patronatem Krzysztofa Pendereckiego. Wziął udział w rezydencji artystycznej Funduszu Wyszehradzkiego w Bratysławie, gdzie komponował muzykę do filmów animowanych słowackich twórców. Skomponował też muzykę do spektaklu i filmu “Noc i Mgła” w Muzeum Martyrologii Wielkopolan Fort VII zrealizowanego przez Telewizję Polską TVP3 Poznań.
Występował w Austrii, Słowacji, Wielkiej Brytanii, Szwajcarii, Francji, Gruzji, Litwie i wielu innych krajach Europy, a w Polsce na takich festiwalach jak Jazz Od Nowa, Nowa Tradycja, Ethnoport i inne. Absolwent Kompozycji oraz Fortepianu Jazzowego w Akademii Muzycznej w Poznaniu.
Cheslav Singh - Kanadyjski pianista, posiadający międzynarodowe doświadczenie zarówno jako performer, jak również pedagog. Aktualnie mieszka i tworzy w Londynie.
Na koncie posiada liczne występy na znakomitych scenach w Rzymie, Londynie, Nowym Jorku, Neapolu, Paryżu, czy Toronto, współpracę z radio RAI 3 oraz telewizją, wykonując repertuar od Beethovena po free jazz.
Jego gra “buduje solidne, geometryczne brzmienia, w bardzo dobrze zaplanowany sposób”, jednocześnie zdaje się być “angażująca i medytacyjna” (Massimiliano Cerito, June 2022)”.
W 2011 kiedy powstała grupa audiowizualna a=b=x=y angażuje się w tworzenie klasycznej muzyki współczesnej. Skomponował również utwory solowe oraz przeznaczone do wykonania przez pełną orkiestrę symfoniczną. Wciąż eksperymentuje w obszarze rozszerzonych technik gry na granicy muzyki akustycznej i elektronicznej, gra na organach i rozwija swoje zainteresowanie w systemach strojenia.
Od 2013 roku studiuje Gurbāṇī Saṅgīta, najstarszą, przetrwałą do dziś tradycją klasycznej muzyki hinduskiej, zarówno jako uczeń, ale też jako aktywny badacz. Wszystko to u boku Bhai Baldeep Singh, głównego przedstawiciela wspomnianego gatunku.
Obecnie uczy gry na fortepianie, a także dwóch kursów akademickich, ‘music appreciation,’ oraz specjalistyczny cykl wykładów na temat Gurbāṇī Saṅgīta. Oba kursy odbywają się na londyńskiej uczelni, LPMAM (London Performing Academy of Music - the Classical Music Academy of the 21st Century).
Paweł Krupski - Grafik projektant, ilustrator i animator. Kierownik Graficzny festiwalu Światłodźwięki oraz autor identyfikacji wizualnej. Ukończył Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu na wydziale grafiki w 2012 r. Freelancer od ponad dekady mierzący się z wieloma różnorodnymi wyzwaniami graficznymi od identyfikacji wizualnej po projektowanie interfejsów. Autor książki dla dzieci „Megachłopiec i Wszechkarton”.
Współtworzy projekty wizualno-muzyczne takie jak „FLORAFABRIK”, „WITH OUT IDENTITY”, „ABXY” i “MINIMALICZKI”. Podejmuje się w nich cyfrowego tworzenia materiału wizualnego na żywo, często za pomocą instrumentów elektronicznych, które podczas koncertu generują obraz zamiast dźwięku.
FESTIWAL SZTUKI AUDIOWIZUALNEJ 10. EDYCJA
10-11.10.2025 Poznań
ŚWIATŁODŹWIĘKI 2025 to dziesiąta edycja festiwalu sztuki audiowizualnej, prezentującego najważniejsze prace europejskiego i rodzimego środowiska artystycznego, zafascynowanego performatywnym łączeniem wizualności i muzyki, organizowanego przez Fundację Wspierania Kultury - Our Place Foundation.
ŚWIATŁODŹWIĘKI to festiwal sztuki, technologii, muzyki i multimediów w Poznaniu, będący inkubatorem nowych koncepcji i kooperatyw.
ŚWIATŁODŹWIĘKI to synestetyczne doświadczanie eksperymentalnej muzyki i świetlnych wizualizacji. Ta interdyscyplinarna sztuka tworzona jest całkowicie na żywo, w oparciu o nowe koncepcje, zakładające wzajemne oddziaływanie dźwięku i obrazu/koloru w jednym czasie.
ŚWIATŁODŹWIĘKI to koncerty audiowizualne, instalacje i panel dyskusyjny, podczas których artyści tworzący projekcje, muzycy-naukowcy opowiedzą o najnowszych trendach w europejskiej sztuce, o połączeniach sztuki, muzyki, informatyki, architektury. Tegoroczna edycja również kontynuuje zajęcia dla młodzieży, ŚWIATŁODŹWIĘKI JUNIOR. Artyści zaprezentują nowe drogi i kierunki, którymi podąża sztuka.
W tym roku zaproszeni artyści to:
niderlandzka malarka Gwendolyn Kassenaar, hiszpańska artystka audiowizualna Blanca Regina i jedna z najważniejszych perkusistek na scenie współczesnej muzyki - Beibei Wang,
Wystąpi również artystka holografii Zhiyan Cai, brytyjski artysta dźwiękowy Peter Cusack oraz kanadyjski skrzypek Jack Campbell.
Na tegorocznym festiwalu, wystąpią również znani polscy artyści, m. in. legendarny Tadeusz Sudnik, wirtuozka gry na lirze korbowej Malwina Paszek, trębacz grający na trąbce ćwierć-tonowej z użyciem elektroniki - Patryk Rynkiewicz, futurystyczny klawiszowiec Jakub Królikowski, awangardowy improwizujący pianista Cheslav Singh, a także projektant światła Paweł Krupski.
Festiwal jest współfinansowany ze środków Urzędu Miasta Poznania, CK Zamek, Ambasady Królestwa Niderlandów oraz Ambasady Królestwa Hiszpanii. Patronat medialny objęło Radio Afera, TVP3 Poznań.
Miejsca:
Festiwal odbędzie się w Centrum Kultury Zamek (Sala Wielka) Więcej informacji na stronie www.swiatlodzwieki.art oraz w socjalmediach (FB) i (IG)
TWÓRCY ZAGRANICZNI, którzy wezmą udział w festiwalu ŚWIATŁODŹWIĘKI:
Gwendolyn Kassenaar - Wielokrotnie nagradzana artystka wizualna Gwendolyn Kassenaar (ur. 1973 w Amsterdamie) zajmuje się malarstwem, rysunkiem i performansem.
Gwendolyn tworzy improwizowaną sztukę na żywo na scenie z muzykami i tancerzami, wspomaganą przez swoją synestezję. Występowała w renomowanych miejscach, takich jak Cafe Oto, Hundred Years Gallery i Uniwersytet SOAS, a także współpracuje z cenionymi muzykami, takimi jak Orphy Robinson MBE, Maggie Nicols, Beibei Wang i Hyelim Kim.
Namalowała na żywo mural „Dance to Ecstacy” w Londynie (2021) i stworzyła innowacyjny performans „A Trajectory to Unsuffocation” na Festiwal Bloomsbury (2022).
Jej prace są szeroko wystawiane, znajdują się w całej Europie i były prezentowane w kultowym magazynie „The Wire” oraz w radiu Soho. W 2024 roku zdobyła prestiżową nagrodę Serpentine Gallery Support Structures.
Zhiyan Cai - to mieszkająca w Londynie artystka cyfrowa i była architektka. Jej twórczość bada złożone relacje między kulturą a technologią, historią a przyszłością, splatając azjatycki folklor z futuryzmem i science fiction z kobiecej perspektywy.
W swojej pracy wykorzystuje m.in. rendering 3D, holografię, mapping projekcyjny, AR i VR, tworząc immersyjne doświadczenia wizualne. Jej sztuka była prezentowana na całym świecie, m.in. w Nowym Jorku, Londynie, Rzymie, Hongkongu, a także podczas prestiżowych wydarzeń, takich jak Design Shanghai, London Design Festival, Milan Design Week czy Shenzhen Cultural Expo. W tym roku jej prace wizualne zostaną zaprezentowane na Worlds Away Festival w Kalifornii.
Beibei Wang - Dzięki swojemu doświadczeniu zarówno w zakresie klasycznej, jak i tradycyjnej chińskiej perkusji, Beibei Wang wnosi do występów charakterystyczną dla siebie „pełną energii wirtuozerię” (Wall Street Journal), prezentując różnorodny repertuar. Jako solistka występowała na całym świecie z orkiestrami takimi jak BBC Symphony Orchestra, Toronto Symphony Orchestra, New Japan Philharmonic czy Boston Modern Orchestra Project, pojawiając się na najbardziej prestiżowych scenach świata. Jej unikalne zaplecze łączące klasykę i style muzyki światowej prowadzi ją do udziału w szerokiej gamie projektów multidyscyplinarnych – od wykonań współczesnych klasyków i prawykonań nowych dzieł po międzynarodowe tournée z produkcjami tanecznymi.beibeimusic.com
Blanca Regina - jest interdyscyplinarną artystką, nauczycielką i niezależną kuratorką. Tworzy multimedialne pejzaże przy użyciu głosu, obiektów, elektroniki i wizualizacji, posługując się systemami kompozycji spontanicznej. Jej twórczość obejmuje również sztukę książki, media immersyjne i projektowanie.
Blanca Regina zorganizowała liczne wystawy, koncerty i warsztaty na całym świecie, prezentując swoje prace m.in. w takich miejscach jak Cafe Oto, Turner Contemporary, Barbican i Tate Modern w Londynie, a także podczas PhotoEspaña, w La Casa Encendida i Cruce w Madrycie. Jej projekty międzynarodowe obejmują także prezentacje w Meksyku, m.in. w Fundación Pedro Meyer, Biblioteca Henestrosa, El Faro de Oriente i TerrazaMounstruo, oraz w Berlinie, w HKW i Sowieso.
Prowadziła również wykłady i warsztaty w Wielkiej Brytanii i za granicą, m.in. na University of the Arts London, Goldsmiths University, Guildhall oraz Ravensbourne University.
Wraz ze Steve’em Beresfordem współzałożyła cykl Unpredictable Series, koncentrujący się na muzyce spontanicznej i eksperymentach w sztukach wizualnych, kontynuując działalność swojego pierwszego kolektywu Mademotion, założonego w Madrycie. Blanca Regina i Steve Beresford nagrali wspólnie trzy albumy: What Blue (2020), Duets with Blanca Regina, Spontaneous Music oraz Art of Improvisers (2017).
W ramach tych albumów współpracowała z różnymi artystkami, kładąc szczególny nacisk na improwizatorki. W 2017 roku, we współpracy ze swoim wieloletnim partnerem artystycznym Leafcutterem Johnem, stworzyła Miga — limitowaną edycję na pendrivie oraz cyfrową publikację dokumentującą ich występy na żywo. Jej współpraca obejmuje także projekty muzyczne i audiowizualne z artystami takimi jak Matthias Kispert, Peter Cusack, Matt Black, Laetitia Sadier, Marie Merlet, Adriana Camacho i David Toop.
Peter Cusack jest muzykiem i realizatorem nagrań terenowych, od dawna zainteresowanym środowiskiem akustycznym. Zainicjował projekt „Favourite Sounds Project”, aby odkryć, co ludzie postrzegają pozytywnie w codziennych pejzażach dźwiękowych, oraz projekt „Sounds from Dangerous Places”, który wykorzystuje dziennikarstwo dźwiękowe do badania miejsc poważnych zniszczeń środowiskowych, takich jak strefa wykluczenia wokół Czarnobyla, zanikające Morze Aralskie, Azja Środkowa i kopalnie węgla brunatnego w Europie.
Gra muzykę improwizowaną na gitarze i realizuje nagrania terenowe, jest członkiem CRiSAP na University of Arts London, a w latach 2011/12 był gościem DAAD Berlin Künstlerprogramm. Ostatnio zaangażował się w radio.aporee/radio.earth, zdalne strumieniowanie dźwięku, spacery dźwiękowe i tworzenie muzyki z udziałem środowiska dźwiękowego.
Jack Campbell - jest kompozytorem eksperymentalnym i skrzypkiem koncertowym. Okrzyknięty „młodym mistrzem sztuki” przez London Daily News i „Niezwykle utalentowanym” przez The Strad, Campbell występował w Londynie, Paryżu, Nowym Jorku, Berlinie, Amsterdamie, Bazylei i wielu miastach Wielkiej Brytanii i Kanady. Do jego najważniejszych projektów należą: Szczyt Przyszłości Narodów Zjednoczonych, Narodowe Muzeum Informatyki w Bletchley Park, Festiwal Fringe w Edynburgu, Kanadyjskie Centrum Kultury w Paryżu oraz katedry w Chester, Carlisle i Wrexham. Prowadził badania nad projektami performatywnymi w Musse Arts Moderne i Musee Picasso w Paryżu, Royal Greenwich Museum i Royal United Services Institute w Londynie oraz Instytucie Paula Sachera (Szwajcaria). Jego debiutancki solowy album ukaże się latem 2025 roku, a on sam jest autorem wielu płyt z muzyką kameralną, teledysków i instalacji dźwiękowych. Wśród projektów godnych uwagi znajdują się przetłumaczenie kodu Enigmy i komputerów bombe/colossus na dzieła muzyczne oraz transkrypcja/tłumaczenie śpiewu ptaków z Kolumbii Brytyjskiej na utwory wielkoformatowe na skrzypce solo.
ARTYŚCI POLSCY:
Tadeusz Sudnik - polski muzyk, kompozytor, realizator dźwięku. Jest pomysłodawcą i założycielem Studia Dźwięków Niemożliwych, twórcą multimedialnych koncertów - spektakli.
Interesuje go granie na żywo na syntezatorach analogowych, elektronicznych urządzeniach generujących dźwięk, a w trakcie koncertów granych na żywo przekształca różnorodne efekty dźwiękowe. Używając tych środków do generowania i przekształcania dźwięku, stworzył na scenie małe studio. Oprócz sal koncertowych, teatralnych i klubowych grał w lasach, nad jeziorami i rzekami, na mostach i pod mostami, na statkach rzecznych, w stodołach, pałacach, zamkach, kościołach, fabrykach i kopalniach.
Przez kilkanaście lat pracował w Studio Eksperymentalnym Polskiego Radia w Warszawie, gdzie nagrywał i realizował muzykę elektroniczną, teatralną, filmową i baletową.
Przez wiele lat współpracował z festiwalem Warszawska Jesień, Polskim Towarzystwem Muzyki Współczesnej, Związkiem Kompozytorów Polskich, Teatrem Narodowym, Teatrem Małym, festiwalem Ad Libitum. Wystąpił także na festiwalach Inventionen w Berlinie Zachodnim, w Montreaux i in.
Skomponował muzykę do spektaklu baletowego „Pejzaż Nocą” dla Teatru Wielkiego, do sztuki „Drewniany człowiek” Stasysa Eidrigeviciusa wystawionej w warszawskim Teatrze Studio, muzykę Ferajna Pana Dropsa dla teatru Scena Lubelska i in. Projektował też dźwięk dla Double Opera Krzysztofa Knittla i Johna Kinga HEARTPIECE, wystawianej w galerii „The Kitchen” w Nowym Yorku. W galerii XXI w Warszawie w 2006 r. wystawił swój projekt multimedialny „Kolej rzeczy”. Na zamówienie warszawskiej galerii sztuki appendix2 skomponował utwór muzyczny ilustrujący wystawę OD-DO Stanisława Dróżdza (2009 r). Na zamówienie wydawnictwa Polonia Records nagrał płytę Tadeusz Sudnik & His Friends In Art (2006). Cytula Tyfun był pierwszym zespołem, w którym grał od 1980 r. wspólnie z Krzysztofem Knittlem, Andrzejem Bieżanem i Mieczysławem Litwińskim.
Malwina Paszek - multiinstrumentalistka etniczna (lira korbowa, akordeon, cytry, fortepian, fujara słowacka, bębenek i inne) i śpiewaczka. Wykonuje pieśni tradycyjne głównie z rodzimej Wielkopolski, a także z Ukrainy, Białorusi i wschodniej Polski. Komponuje muzykę dla teatru (CIcha!, Rayuela, Obrazobranie, Nosotros Ellos, Prawdziwy Polak Nie Żyje), słuchowisk, filmów niemych (Kwartet Bedebede & Purandare) i animacji.
Pracowała jako konsultantka muzyczna do filmu Marka Lechkiego pt. “Interior”. Członkini zespołu Druhny oraz Piekielnica. Ukończyła studia na Akademii Muzycznej w Poznaniu w 2011 roku (Teoria muzyki). Obecnie studiuje kompozycję na Akademii Muzycznej im. S. Moniuszki w Gdańsku. Jej pasją jest lira korbowa. Wykonuje na niej muzykę najnowszą, tradycyjną i barokową. Jest autorką projektów artystycznych - m.in.: Projekt Synestetycy w CK Zamek w Poznaniu (audiowizualny projekt nawiązujący do zjawiska synestezji, 2012), Projekt Jestem z Doliny Bobru (2018, 2019, warsztaty śpiewu i koncert), Projekt Przychodnia Terapii Śpiewem (cykl warsztatów realizowanych w Krotoszynie i nawiązujący do terapeutycznej roli śpiewu w życiu, 2018) Dominodźwięki (warsztaty kompozytorskie dla dzieci w ramach festiwalu Poznańska Wiosna Muzyczna, warsztaty współprowadzone z tancerką Pauliną Wycichowską, 2019), Kosmiczna Muzyka (warsztaty kompozytorskie dla osób z niepełnosprawnościami, 2019), SztukStyk (projekt multidyscyplinarny, kompozycja muzyki, 2020), Wiersze dla dzieci i młodzieży (projekt multidyscyplinarny dla Centrum Sztuki Dziecka w Poznaniu, kompozycja muzyki, 2020), Projekt (Nie)poważna muzyka – warsztaty kompozytorskie dla osób z niepełnosprawnościami (2020), Warsztaty ALEA – cykl filmów do aplikacji do komponowania muzyki w ramach współpracy z festiwalem Poznańska Wiosna Muzyczna. Jako Kompozytorka i aranżerka odpowiedzialna byłam za muzykę i prowadzenie chóru w ramach projektu Wesele Wielkopolskie (koncert finałowy Festiwalu Malta 2022). Realizowała kilkukrotnie projekty artystyczne, warsztaty i koncerty w ramach Projektu Off Opera oraz Projektu 5 Zmysłów. Współpracuje z kompozytorami muzyki współczesnej. Występowała na festiwalach muzyki folkowej i klasycznej (Nowa Tradycja, Kody, Malta, Bliscy Nieznajomi, Fama, Rozstaje, Ethno Port, Poznańska Wiosna Muzyczna, TrillMe, Mikołajki Folkowe, Lyriktreffen Münster).
Teresa Nowak - muzyk, choreograf, pedagog; prowadzi zajęcia oparte na metodzie Emila Jaques – Dalcroze’a; rozwija muzykalność, wyobraźnię i energię; pracuje z dziećmi, młodzieżą i dorosłymi; prowadzi warsztaty i wykłady dla muzyków, tancerzy, psychologów, nauczycieli… w kraju i za granicą. Współpracuje z chórami tworząc dla nich ruch sceniczny.
Jest założycielem i kierownikiem artystycznym Zespołu Plastyki Ruchu prezentującego choreografie i improwizacje ruchowe do muzyki, działań plastycznych i utworów literackich. Przez wiele lat związana nauczaniem rytmiki i plastyki ruchu z Zespołem Szkół Muzycznych, Szkołą Baletową im. Olgi Sławskiej – Lipczyńskiej i Wydziałem Wokalno-Aktorskim Akademii Muzycznej w Poznaniu.
W 2 programie Polskiego Radia realizowała w latach 1993 – 1996 autorski program: „Taka sobie muzyczka, taka sobie muzyka”. Reżyseruje koncerty i akcje intermedialne na festiwalach muzyki współczesnej, w cyklu działań „Międzynarodowy Dzień Muzyki”, „Galeria Dźwięku”, „Usłyszeć Miasto”… łącząc w nich muzykę z innymi dziedzinami sztuki. Jest autorką koncertu – spektaklu „Majowa Nocka” z muzyką Witolda Lutosławskiego, prezentowanego w Studio S1 na V Festiwalu Muzycznym Polskiego Radia, wielowarstwowego spektaklu „Chopin na pointach, obcasach i piętach” oraz koncertów w cyklu „Nowa Klasyka” (Panufnik / Xenakis / Sikorski+Reich / Lutosławski).
Jej obecne projekty to „Moja Muzyka” i „Lekcje słuchania muzyki” w Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu. Absolwentka wydziału prawa na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu.
Patryk Rynkiewicz - trębacz jazzowy grający na trąbce ćwierć-tonowej z użyciem elektroniki.
Kompozytor i doktorant Akademii Muzycznej im. Ignacego Jana Paderewskiego w Poznaniu, gdzie prowadzi badania nad etnicznymi wpływami w technice gry na trąbce. Studiował pod kierunkiem Arve Henriksena i Macieja Fortuny, rozwijając unikalne podejście do instrumentu.
W jego stylu gry słychać fascynację brzmieniem trąbki – od ćwierćtonów i technik rozszerzonych, przez modyfikatory elektroniczne, aż po inspiracje muzyką etniczną. Porusza się swobodnie pomiędzy jazzem, free jazzem, muzyką eksperymentalną, elektroniczną i etniczną.
Jest współliderem zespołu Unleashed Cooperation, z którym zdobył Nagrodę Specjalną ZAiKS & STOART na Jazzie nad Odrą (2020) oraz III nagrodę Jazz Juniors (2021). W 2025 roku grupa wystąpiła na jazzahead! w Bremie (Niemcy) jako jedyny polski zespół showcase’owy, a ich koncert został określony przez DownBeat jako:
“Accessible, lyrical and rode on a graceful momentum that was still spontaneous and unpolished (especially when trumpeter Patryk Rynkiewicz put his horn to his lips), yet also a serene note on which to end the proceedings.” (DownBeat)
Na co dzień współpracuje z Wojciechem Waglewskim i Zbigniewem Hołdysem, a także z Skalpel Big Band. Regularnie występuje na najważniejszych festiwalach w Polsce i za granicą, takich jak: Męskie Granie, OFF Festival, Pol’and’Rock (Woodstock), Nisville Jazz Festival (Serbia), HR Jazz Festival w Zagrzebiu (Chorwacja), Cairo Jazz Festival (Egipt), Factory Jazz Festival (Macedonia) i wiele innych.
Jakub Królikowski - Kompozytor i pianista improwizujący. Współzałożyciel festiwalu Światłodźwięki. Działa z wieloma muzykami i artystami w celu wzajemnej inspiracji i przepływu kreatywności. Z zamiłowaniem realizuje działania kuratorskie, stara się łączyć artystów/ki z różnych rejonów geograficznych i środowisk, tak aby razem odkrywać łączący ich wspólny mianownik.
Wykonuje jazz futurystyczny na fortepianie i syntezatorach. Zgłębia autorski solowy styl gry “organiczne techno”. Komponuje na różne instrumenty. Poszukuje różnorodnych relacji muzyki z innymi dyscyplinami sztuki.
Otrzymał Nagrodę Główną na Konkursie Kompozytorów im. M. Stachowskiego pod patronatem Krzysztofa Pendereckiego. Wziął udział w rezydencji artystycznej Funduszu Wyszehradzkiego w Bratysławie, gdzie komponował muzykę do filmów animowanych słowackich twórców. Skomponował też muzykę do spektaklu i filmu “Noc i Mgła” w Muzeum Martyrologii Wielkopolan Fort VII zrealizowanego przez Telewizję Polską TVP3 Poznań.
Występował w Austrii, Słowacji, Wielkiej Brytanii, Szwajcarii, Francji, Gruzji, Litwie i wielu innych krajach Europy, a w Polsce na takich festiwalach jak Jazz Od Nowa, Nowa Tradycja, Ethnoport i inne. Absolwent Kompozycji oraz Fortepianu Jazzowego w Akademii Muzycznej w Poznaniu.
Cheslav Singh - Kanadyjski pianista, posiadający międzynarodowe doświadczenie zarówno jako performer, jak również pedagog. Aktualnie mieszka i tworzy w Londynie.
Na koncie posiada liczne występy na znakomitych scenach w Rzymie, Londynie, Nowym Jorku, Neapolu, Paryżu, czy Toronto, współpracę z radio RAI 3 oraz telewizją, wykonując repertuar od Beethovena po free jazz.
Jego gra “buduje solidne, geometryczne brzmienia, w bardzo dobrze zaplanowany sposób”, jednocześnie zdaje się być “angażująca i medytacyjna” (Massimiliano Cerito, June 2022)”.
W 2011 kiedy powstała grupa audiowizualna a=b=x=y angażuje się w tworzenie klasycznej muzyki współczesnej. Skomponował również utwory solowe oraz przeznaczone do wykonania przez pełną orkiestrę symfoniczną. Wciąż eksperymentuje w obszarze rozszerzonych technik gry na granicy muzyki akustycznej i elektronicznej, gra na organach i rozwija swoje zainteresowanie w systemach strojenia.
Od 2013 roku studiuje Gurbāṇī Saṅgīta, najstarszą, przetrwałą do dziś tradycją klasycznej muzyki hinduskiej, zarówno jako uczeń, ale też jako aktywny badacz. Wszystko to u boku Bhai Baldeep Singh, głównego przedstawiciela wspomnianego gatunku.
Obecnie uczy gry na fortepianie, a także dwóch kursów akademickich, ‘music appreciation,’ oraz specjalistyczny cykl wykładów na temat Gurbāṇī Saṅgīta. Oba kursy odbywają się na londyńskiej uczelni, LPMAM (London Performing Academy of Music - the Classical Music Academy of the 21st Century).
Paweł Krupski - Grafik projektant, ilustrator i animator. Kierownik Graficzny festiwalu Światłodźwięki oraz autor identyfikacji wizualnej. Ukończył Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu na wydziale grafiki w 2012 r. Freelancer od ponad dekady mierzący się z wieloma różnorodnymi wyzwaniami graficznymi od identyfikacji wizualnej po projektowanie interfejsów. Autor książki dla dzieci „Megachłopiec i Wszechkarton”.
Współtworzy projekty wizualno-muzyczne takie jak „FLORAFABRIK”, „WITH OUT IDENTITY”, „ABXY” i “MINIMALICZKI”. Podejmuje się w nich cyfrowego tworzenia materiału wizualnego na żywo, często za pomocą instrumentów elektronicznych, które podczas koncertu generują obraz zamiast dźwięku.